lunes, 9 de julio de 2012

INFORMACIÓN SOBRE LAS OBRAS REPRODUCIDAS





Título: “Caballo en el paisaje”
Título original: “Pferd in Landschaft”
Autor: Franz Marc (Munich, 1880-cerca de Verdún, Francia, 1916)

Temática: Naturaleza idealizada.

Movimiento: Expresionismo.

Dimensiones originales: 85x112 cm.

Año de realización: 1910.

Ubicación actual de la obra: Essen, Museum Folkwang.

Técnica y soporte: Óleo sobre lienzo.

Comentario: En el cuadro dominan las grandes superficies de colores. El caballo del primer plano, rojizo, con crin azul y negra, mira al interior del cuadro, a un campo amarillo claro, interrumpido por manchas de color verde. Sólo gracias al caballo podemos reconocer en estas superficies de color un campo de trigo y matorrales verdes. Con sus campos de color, fuertes y ricos en contrastes, el cuadro irradia una serenidad y armonía como no se había observado hasta ahora en la obra de Franz Marc.

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Título: “La danza”
Título original: “Dance”

Autor: Henri Matisse (Paris, 1869 – Niza, 1954)

Temática: Figura humana.

Movimiento: Fauvismo.

Dimensiones originales: 260 x 391 cm.

Año de realización: 1910.

Ubicación actual de la obra: Museo Ermitage de San Petersburgo.

Técnica y soporte: Óleo sobre lienzo.

Comentario: La danza está considerada como uno de los referentes imprescindibles del arte contemporáneo. El propio Matisse percibió la trascendencia de este trabajo y por ello, incorporó referencias al mismo en otras composiciones de su autoría.

En La danza, Matisse llevó a cabo una simplificación sistemática de los colores y el delineado de las figuras, justo a la manera de Pablo Picasso; no obstante, a diferencia de este último, no fue tan riguroso en su estilo y prefirió trabajar un lirismo grácil: el grupo de danzarinas anónimas y atemporales invita al espectador a sumarse en su dinámica natural y simple, pero al mismo tiempo de una profunda intención instauradora.

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Título: “M-maybe”
Título original: 'M-maybe'

Autor: Roy Lichestein (Nueva York 1923, 1997)

Temática: Retrato.

Movimiento: Arte Pop.

Dimensiones originales: 152 x 152 cm.

Año de realización: 1965.

Ubicación actual de la obra: Museo Ludwig. Colonia, Alemania .

Técnica y soporte: Acrílico sobre tela.

Comentario: A los 16 años inicia sus estudios artísticos en la Art´s Students League y al año siguiente se matricula en la Universidad del Estado de Ohio, graduándose en 1946. Hasta 1951 se dedicará a la docencia en este centro universitario, continuando su faceta como profesor en varias Universidades. Sus primeros trabajos están determinados por el expresionismo abstracto pero en 1962 cambia su estilo para dotar a su obra de una nueva definición. Ese año expondrá en la galería Castelli de Nueva York y en 1963 sus obras son presentadas por Elena Sonnabend en París, mostrándose como una de las principales figuras del pop art. Lichtenstein -como sus compañeros Warhol o Rauschenberg- también se interesó por los medios de comunicación, tomando las imágenes del cómic como punto de partida para mostrar la vida mecanizada de la sociedad actual. También se interesó por reproducir obras maestras del pasado, creando un estilo francamente inconfundible. Lichenstein toma una imagen de tebeo femenino, la amplia consiguiendo así uno de los iconos más fuertes del arte pop.

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 Título: “La alegría de vivir”
Título original: “La joie de vivre"


Autor: Henri Matisse (Cateau Cambrésis, 1869 - Niza, 1954)

Temática: Desnudo.

Movimiento: Fauvismo.

Dimensiones originales: 175 x 241 cm.

Año de realización: 1906.

Ubicación actual de la obra: Fundación Barnes, Merion, de Pensilvania .

Técnica y soporte: Óleo sobre lienzo.

Comentario: El carácter mítico de esta obra en primer lugar, rompe con la trayectoria hasta ese momento mantenida por Matisse e inicia el lenguaje plástico que será reconocido como propio del artista. Después, en segundo, perfila con claridad uno de los rasgos centrales de la cultura del siglo XX -y de la modernidad, entendida en sentido amplio-, la alegría, dicha y felicidad de vivir, un rasgo que no por ser utópico ha perdido importancia. Aquí, la linealidad de los motivos y el tratamiento de los colores suponen una radical novedad. En un paisaje fantástico, de marcado carácter decorativo pero a la vez con un referente real, Collioure, bailan seis mujeres desnudas. Faunos, músicos, figuras amorosas, etcétera, se distribuyen hasta el primer término de la escena. La violencia cromática de rosas, verdes, rojos, azules, morados y amarillos configura una imagen en la que se percibe el “estallido” de la vida, como “estallido” es la distribución fragmentaria de los personajes, que no respetan un punto de vista unitario, ni tampoco las pautas marcadas por la perspectiva.


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 Título: "Sin título"


Autor: Keith Haring (Pensilvania, 1958- Nueva York, 1990)

Temática: Figura humana.

Movimiento: Graffity.

Dimensiones originales: 300 x 340 cm .

Año de realización: 1988.

Ubicación actual de la obra: Fundación Keith Haring.

Técnica y soporte: Acrílico sobre loma.

Comentario: Haring logró reflejar los sueños de una generación cosmopolita y distinta. Empezó con sus dibujos en el metro de New York, construyendo su universo particular. Niños, serpientes, perros, corazones y estrellas llenaron sus cuadros y todo lo que quedo cerca de su pincel: paredes, coches, esculturas, cerámicas, o incluso el Muro de Berlín. Haring comenzó a mostrarse interesado por el arte desde edades muy tempranas, tras un periodo estudiando Artes Comerciales en Pensilvania, donde crece en él el interés por el video y las intervenciones en la calle. Sus primeras obras, de hecho, las hace en el metro de Nueva York, en contacto con el público. Lector de las teorías de Humberto Eco, cree en la semiología y la relación de la palabra con la imagen, construyendo poco a poco su propio vocabulario, corazones, perros y siluetas sencillas. Con 25 años Haring ya había construido un código visual internacionalmente reconocido.

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Título: "Los fusilamientos de la Moncloa" o "el 3 de mayo de 1808".


Autor: Francisco de Goya y Lucientes (Fuendetodos 1746- Burdeos 1828).

Temática: Cuadro histórico.

Movimiento: Pintura española del siglo XVIII.

Dimensiones originales: 266 x 345 cm.

Año de realización: 1814.

Ubicación actual de la obra: Museo del Prado. Madrid. España.

Técnica y soporte: Óleo sobre lienzo.

Comentario: Además de sus excelencias artísticas, puede ser considerado uno de los cuadros de temática histórica más dramáticos de toda la historia del arte. El pintor, supo expresar en toda su violencia, aunque con sobriedad y eficacia extremas, la crueldad inexorable del hombre para el hombre y a la vez su exasperado y rebelde deseo de libertad. Se sabe que Goya observó estos cruentos episodios desde su quinta y que tomó apuntes la misma noche en que acontecieron los hechos, de donde proviene el extraordinario realismo de su pintura y su profunda sinceridad. La composición se divide en dos partes fundamentales; la primera, a la izquierda, la compone un grupo de civiles, unos doce, en distintas posturas; uno se tapa la cara, otros ya muertos yacen en el suelo, otro aparece rezando, otro con los brazos abiertos... La parte de la derecha la conforman un grupo de seis soldados que apuntan con sus fusiles al grupo de civiles que tienen delante. En el lado del grupo de civiles, se encuentra la montaña del Príncipe Pío. Y al fondo, se aprecia una arquitectura perteneciente a la ciudad de Madrid y la negra noche donde se desarrolla la acción, y que cubre el resto de la composición. 

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Título: “La habitación de Van Gogh en Arles
Título original: “Van Gogh's Room at Arles ”

Autor: Vincent Van Gogth (Groot-Zundert, Países Bajos, 1853 - Francia, 1890)

Temática: Interior.

Movimiento: Neo-impresionismo.

Dimensiones originales: 57,5x 74 cm.

Año de realización: 1888.

Ubicación actual de la obra: Museo Van Goght (Amsterdan)

Técnica y soporte: Óleo sobre lienzo.

Comentario: Sobre el tema de su dormitorio, Van Gogh realiza tres cuadros casi idénticos. En una carta dirigida a su hermano Théo, Vincent explica lo que le incita a pintar una obra semejante: quiere expresar la tranquilidad y resaltar la sencillez de su dormitorio mediante el simbolismo de los colores. Para ello, describe: "los muros lila pálido, el suelo de un rojo gastado y apagado, las sillas y la cama amarillo de cromo, las almohadas y la sábana verde limón muy pálido, la manta roja sangre, la mesa de aseo anaranjada, la palangana azul, la ventana verde", afirmando: "Había querido expresar un reposo absoluto mediante todos estos tonos diversos". Mediante estos diferentes tonos, Van Gogh hace referencia a Japón, a sus crespones y a sus estampas. Pese a que, para los japoneses, una habitación decorada con cuadros y muebles no parezca realmente sencilla, para él es "un dormitorio vacío con una cama de madera y dos sillas." Alcanza una cierta austeridad, por su composición constituida casi únicamente de líneas rectas y por la combinación rigurosa de superficies de color que compensan la perspectiva.

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Título: “Línea transversal”
Título original: “Transverse Line
Autor: Wassily Kandinsky (Moscú, Rusia, 1866 - Neuilly-sur-Seine, 1944)

Temática: Abstracción geométrica.

Movimiento: Expresionismo abstracto.

Dimensiones originales: 141 x 202 cm.

Año de realización: 1923

Ubicación actual de la obra: Museo Kunstsammlung Düsseldorf, Alemania.

Técnica y soporte: Óleo sobre lienzo.

Comentario: Pintor de origen ruso, nacionalizado alemán y posteriormente francés. Kandinsky compaginó sus estudios de derecho y economía con clases de dibujo y pintura. Al tiempo que se interesaba por la cultura primitiva y las manifestaciones artísticas populares rusas, muy especialmente por el arte propio de la región de Volodga, rico en ornamentos, también descubrió la obra de Rembrandt y Monet. Cuando cumplió los treinta años, Kandinsky abandonó la docencia y fue a estudiar pintura a Munich, renunciando a un porvenir académico ya consolidado. En esta ciudad asistió a las clases de F. Stuck y en ellas conoció a Paul Klee, con el que mantendría una sincera y prolongada amistad. Su interés por el color está presente desde el comienzo de su carrera, y se puede apreciar en sus primeras pinturas la influencia del postimpresionismo, el fauvismo y el Jugendstil alemán.

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Título: “Sol de la mañana”
Título original: “Morning sun”
Autor: Edward Hopper (Nyack, 1882-Nueva York, 1967)

Temática: Retrato.

Movimiento: Pintura realista americana del siglo XX.

Dimensiones originales: 71,4 x 101,9 cm.

Año de realización: 1952.

Ubicación actual de la obra: Museo de Arte de Columbus , Ohio .

Técnica y soporte: Óleo sobre lienzo.

Comentario: A pesar de que durante gran parte de su vida su obra pictórica no recibió la atención de la crítica ni del público y se vio obligado a trabajar como ilustrador para subsistir, en la actualidad sus obras se han convertido en iconos de la vida y la sociedad moderna . El. tratamiento cinematográfico de las escenas y el personal empleo de la luz son los principales elementos diferenciadores de su pintura. Aunque pintó algunos paisajes y escenas al aire libre, la mayoría de sus temas pictóricos representan lugares públicos, como bares, moteles, hoteles, estaciones, trenes, todos ellos prácticamente vacíos para subrayar la soledad del personaje representado. Por otra parte, Hopper acentúa el efecto dramático a través de los fuertes contrastes de luces y sombras. Hacia 1930, fruto del aislacionismo, aumentó considerablemente su fama, aunque su fortuna crítica comenzó a crecer verdaderamente a partir de su muerte, en 1967, cuando empezó a ser reconocido como uno de los grandes maestros del arte del siglo XX y no sólo como un ejemplo de la pintura realista americana.


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Título: “Domingo por la tarde en la isla del Grande Jatte ”
Título original: “Un dimanche après-midi à l'Ile de la Grande Jatte ”


Autor: George Seurat (París, 1859-id., 1891)

Temática: Paisaje.

Movimiento: Puntillismo.

Dimensiones originales: 202 x 300 cm.

Año de realización: 1886.

Ubicación actual de la obra: Instituto de Arte de Chicago .

Técnica y soporte: Óleo sobre lienzo.

Comentario: Seurat nos muestra en este lienzo una típica tarde de Domingo en el Grande Jatte, un lugar muy frecuentado en una isla del río Sena al noroeste de París. Este cuadro constituye una de las más claras muestras del estilo puntillista del autor. Seurat pasó dos años pintando el cuadro, concentrándose escrupulosamente en el paisaje del parque. Rehízo varias veces el original y completó numerosos bocetos y esquemas preliminares. Se sentaba a menudo en los jardines y hacía numerosos bocetos de las distintas figuras a fin de perfeccionarlas. Puso especial cuidado en el uso del color, luz y formas. Basado en el estudio de la teoría óptica del color, contrastó puntos minúsculos de color que, a través de la unificación óptica, forman una figura coherente en el ojo del observador. Creía que esta forma de pintura, conocida luego como puntillismo, haría los colores más brillantes y fuertes que pintados a pinceladas. Para hacer la experiencia aún más realista, rodeó el cuadro con una trama de puntos que a su vez limitó con un marco simples de madera azul. de esta forma se lo exhibe aún en el malvado Instituto de Arte de Chicago.
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Título: “Vestido bajando una escalera”

Autor: Eduardo Arroyo (Madrid, 1937)

Temática: Figura humana.

Movimiento: Neofigurativismo.

Dimensiones originales: 242 x 139 cm.

Año de realización: 1976.

Ubicación actual de la obra: IVAM (Instituto Valenciano de Arte Moderno)

Técnica y soporte: Óleo sobre lienzo.

Comentario: En la obra de Arroyo hay dos temas fundamentales: la situación política y social en la España de los últimos años del franquismo y la reflexión sobre el papel de la pintura -de la vanguardia, sobre todo- y de los pintores. Este último pasó a ser el tema fundamental una vez que el primero no tenía razón de ser, mediados los setenta. Series como Miró rehecho o las desgracias de la coexistencia (iniciada en 1966) aúnan las dos preocupaciones, con una acidez difícil de encontrar en otras críticas del momento. Arroyo utiliza igual las imágenes consagradas de la vanguardia que los emblemas de la publicidad más castiza, como la botella de Tío Pepe, para quitar las caretas a los políticos y a los artistas. El estudiante Rafael Guijarro se tira por la ventana a la llegada de la policía de 1970 es un buen ejemplo de su manera de hacer: tintas planas, colores puros, contornos nítidos, imágenes cristalinas y legibles, como los elementos imprescindibles para hacer posible esa lectura y de caracterización fuerte, cargados de connotaciones como las zapatillas de deporte o los pantalones vaqueros, la lámpara volcada o la regla sobre la cama, forman una imagen espléndida a la vez que una denuncia. Con muchos puntos de contacto con el pop, tiene relaciones estrechas con el Equipo Crónica. 
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Título: “Lateral negro”

Autor: José Guerrero (Granada, 1914 - Barcelona, 23 de diciembre de 1991)

Temática: Abstracción.

Movimiento: Expresionismo abstracto.

Dimensiones originales: 162 x 130 cm.

Año de realización: 1974.

Ubicación actual de la obra: Colección José Guerrero.

Técnica y soporte: Óleo sobre lienzo.

Comentario: José Guerrero estudia en la Escuela de Artes y Oficios de Granada y mas tarde en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, de Madrid, donde es discípulo de Vazquez Díaz En 1945 se traslada a Paris, después de ganar una beca para estudiar en la Facultad de Bellas Artes. Aprende mucho de la obra de Picasso, Matisse, Miro y Gris. En 1950 se traslada a Nueva York y en 1953 obtiene la nacionalidad estadounidense. Allí empieza a realizar obras abstractas. Incorporado a la Escuela de Nueva York, Guerrero participa con sus obras de gran sentido lírico en diversas exposiciones con los pintores del Action Painting, si bien su obra fue siempre considerada por los críticos como diferente, heredera de la tradición española, mediterránea y andaluza. En Estados Unidos va a comprender Guerrero que la pintura se reduce a los acontecimientos cromáticos que se producen en la superficie del lienzo. El cuadro no es, por tanto, una representación de nada ajeno al propio lienzo, sino un campo en el que se ordenan o contraponen formas y colores. El problema de la pintura se sintetiza, pues, en lograr una disposición de elementos plásticos de tal manera que ésta sea un imán para la mirada.

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Título: “El escultor”
Título original: “Le sculpteur"

Autor: Pablo Ruiz Picasso (Málaga, 25 octubre 1881 - Moulins, Francia; 8 abril 1973)

Temática: Retrato.

Movimiento: Cubismo.

Dimensiones originales: 128,5 x 96 cm.

Año de realización: 1931.

Ubicación actual de la obra: Museo Picasso. Paris (Francia).

Técnica y soporte: Óleo sobre lienzo.

Comentario: En el pintor español Pablo Picasso se resumen todos los cambios y las significaciones simbólicas, científicas y sociales del arte pictórico del siglo XX. Es la clave de la pintura y aun en general del arte de nuestra época. Son evidentes sus aportaciones morfológicas, la revolución de las formas en su obra, pero más significativa resulta su relación con la sociedad y la época en que vivió. En el primer aspecto, es la figura representativa del cubismo; en el segundo, una de las cumbres del expresionismo, si bien nunca figurará entre sus grupos y actuará de forma autónoma. En diciembre de 1931 pintó El escultor (Museo Picasso, París) sobre el tema del artista y la modelo, reveladora de la naturaleza de la relación entre Picasso y Marie-Thérèse; el escultor contempla el busto que ha creado, con el característico perfil clásico, mientras la modelo está sentada al fondo, subordinada al artista y la obra creada.
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Título: “Las señoritas de Aviñón”
Título original: “Les Demoiselles d'Avignon"

Autor: Pablo Ruiz Picasso (Málaga, 25 octubre 1881 - Moulins, Francia; 8 abril 1973)

Temática: Desnudo.

Movimiento: Cubismo.

Dimensiones originales: 243,9 x 233,7 cm.

Año de realización: 1907.

Ubicación actual de la obra: Museo de Arte Moderno de Nueva York .

Técnica y soporte: Óleo sobre lienzo.

Comentario: En 1907, después de unos cuantos meses de estudios, Picasso dio a conocer Las Señoritas de Aviñón a sus amigos más próximos. Las reacciones fueron diversas, pero sobre todo destacó la sorpresa frente a una obra de arte que rompía con toda la tradición pictórica anterior. Las convenciones que tanto se habían desarrollado en la historia del arte desde el Renacimiento eran totalmente transgredidas aquí. Aun cuando la obra no se puede considerar cubista, Picasso desplegó en ella muchos de los aspectos que formarían la base de este nuevo movimiento, como por ejemplo: la descomposición del espacio y las formas pictóricas, la inspiración en el arte primitivo y la combinación de diferentes puntos de vista en una sola figura. “Es posible que la gente perciba las cosas con ojos nuevos, nuevas mentes, nueva conciencia. Les Demoiselles d'Avignon es, de manera inequívoca, la obra maestra del siglo XX, un detonador principal del movimiento moderno, la piedra angular del arte del siglo XX.”
  
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Título: “El día de los dioses”
Título original: “Mahana No Atua Aka Day Of The Gods ”


Autor: Paul Gauguin (París, 1848 - Atuona, Polinesia francesa, 1903)

Temática: Retrato y paisaje.

Movimiento: Posimpresionista.

Dimensiones originales: 66 x 87 cm.

Año de realización: 1894.

Técnica y soporte: Óleo sobre lienzo.

Comentario: Después de una juventud aventurera, que incluye una estancia de cuatro años en Perú con su familia y un empleo en la marina mercante francesa, se convirtió en un agente de bolsa de París con éxito. En 1874, después de conocer al pintor Camille Pissarro y ver la primera exposición de los impresionistas, se hizo coleccionista y pintor aficionado. Debido a la quiebra de la Bolsa, decidió convertir su afición a la pintura en oficio. Bajo la influencia del pintor Émile Bernard, se alejó del impresionismo y adoptó un estilo menos naturalista, al que denominó sintetismo. Halló inspiración en el arte indígena, en los vitrales medievales y en los grabados japoneses, estos últimos los conoció a través de Vincent van Gogh en 1888, durante los dos meses que vivieron juntos en Arles (Francia). Tras el altercado con él, abandonó la ciudad. Su nuevo estilo se caracterizó por la utilización de amplias zonas planas de colores encendidos, En 1891, arruinado y endeudado, se embarcó hacia Tahití escapando de la civilización europea. Las características esenciales de su pintura experimentaron pocos cambios, mantuvo la expresividad cromática, el rechazo a la perspectiva y la utilización de formas amplias y planas. Sin embargo, influido por el ambiente tropical y la cultura polinesia, su obra fue cobrando fuerza expresiva a medida que el tema se fue haciendo más característico, la escala de sus cuadros mayor y sus composiciones más simples.
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Título: “Dos campesinas”
  

Autor: Rafael Zabaleta (Quesada (Jaén)-1907-id. 1960)

Temática: Retrato.

Movimiento: Realismo expresionista.

Dimensiones originales: 81x 100 cm.

Año de realización: 1952.

Ubicación actual de la obra: Colección Rafael Zabaleta.

Técnica y soporte: Óleo sobre lienzo.

Comentario: En el realismo expresionista de su obra se unen la visión formal del cubismo, la violencia cromática del fauvismo y la deformación del expresionismo. Nació en Quesada, Jaén, y en 1924 inició sus estudios artísticos en la Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid. En 1934 viajó a París y conoció las obras de los principales pintores de vanguardia. Realizó su primera exposición en la galería Biosca de Madrid en 1942, por la que recibió una crítica favorable de Eugenio D’Ors, que llegó a calificarlo como el pintor más importante de su época. Un extraño surrealismo ‘provinciano’ puebla sus primeras obras, que va depurando a medida que crece el interés por representar su pueblo natal, Quesada, con fuerte cromatismo y aire geometrizante que le acercan al fauvismo y también al aire ingenuo del arte naïf. Sus obras de madurez poseen un lirismo rústico y profundo que permite hablar de una pintura humanista, dotada de un optimismo multicolor, con mujeres de formas rotundas y carnales y un color jubiloso que refleja el gozo con el que están pintadas.
  
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Título: “Sin título”

Autor: Keith Haring (Pensilvania, 1958- Nueva York, 1990)

Temática: Figura humana.

Movimiento: Graffity.

Dimensiones originales: 300 x 340 cm .

Año de realización: 1989

Ubicación actual de la obra: Fundación Keith Haring.

Técnica y soporte: Acrílico sobre tela.

Comentario: Keith Haring es el pintor estadounidense más importante de graffiti de los años ochenta. Nacido en Kutztown, Pennsylvania, en 1958. Desde muy pequeño empezó a dibujar inspirándose en los dibujos animados que veía en la televisión. Estudió arte en la Ivy School of Art de Pittsburg, donde comenzó a hacer serigrafías para imprimir en camisetas. Prosiguió sus estudios en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York, durante 1978 y 1979, bajo la dirección de Keith Sonnier y Joseph Kosuth. En el verano de 1979 hace una performance titulada Poetry-Word-Things en el Club 57 de Manhattan; al año siguiente, sin embargo, se volcó en los graffiti, dibujando imágenes como las de los dibujos animados, hechas con un rotulador directamente sobre anuncios en el metro de Nueva York.
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Título original: “Series 1. No.4”
 
Autor: Georgia O'Keefe (Sun Prairie, Wisconsin, 1887 - Santa Fe, Nuevo México -1986)

Temática: Naturaleza muerta.

Movimiento: Arte abstracto.

Año de realización: 1918.

Ubicación actual de la obra: Colección particular.

Técnica y soporte: Óleo sobre lienzo.

Comentario: Estudió en la escuela del Instituto de Arte de Chicago y en la Liga de Estudiantes de Arte de Nueva York. Se dedicó a la enseñanza artística en Texas desde 1913 a 1918. En 1916 el fotógrafo y galerista estadounidense Alfred Stieglitz (con quien se casó en 1924) se mostró interesado en sus dibujos abstractos, exponiéndolos en la 291, su galería de Nueva York. Su obra se expuso cada año en las galerías de Stieglitz hasta la muerte de éste en 1946, y en otras instituciones importantes. OKeeffe, que se trasladó a Nuevo México en 1949, es famosa por sus pinturas sobre escenas y flores del desierto, en las que las simples flores u objetos como calaveras de vaca se presentan en primeros planos. Aunque OKeeffe trata los temas de forma figurativa, la severidad de líneas, el colorido claro y transparente y los audaces esquemas compositivos producen diseños abstractos. Gran número de sus obras poseen un efecto abstracto, dentro de la temática floral como en Iris negro (1926, Metropolitan Museum of Art, Nueva York), en donde los detalles de la flor se han agrandado hasta el punto de que ésta resulta irreconocible y sorprendente. En la década de 1960, inspirándose en temas de vuelos aéreos, OKeeffe introdujo en sus pinturas motivos del cielo y de las nubes tal como se ven desde el aire. Una de sus obras de mayores proporciones, con sus 7,3 m de largo, es el mural Cielo sobre nubes (1965). Murió el 6 de marzo de 1986.
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Título: “Gran desnudo, planos a través de colores ”
Título original: “Plans par couleurs, grand"


Autor: Frantisek Kupka (Bohemia oriental, 1871- Puteaux, Hauts-de-Seine, 1957)

Temática: Desnudo femenino.

Movimiento: Abstraccionismo.

Dimensiones originales: 150 x 182 cm.

Año de realización: 1910.

Ubicación actual de la obra: Museo Guggenheim. Nueva York. EE.UU.

Técnica y soporte: Óleo sobre lienzo.

Comentario: Este pintor checo está considerado como uno de los creadores del abstraccionismo junto con Kandinsky y Mondrian. En 1889, se inscribe en la Academia de Bellas Artes de Praga, en la sección de pintura sagrada e histórica. En 1892 comienza a seguir cursos de pintura en la Academia Vieau Beurre. A partir de 1910, comienza a orientarse hacia el arte no figurativo y, en 1912, expone junto a los cubistas en el Salón de Otoño aunque rechaza que lo identifiquen con ese movimiento. En 1913, publica « La Création dans les arts plastiques ». Después de la Gran guerra, sigue sus investigaciones sobre la luz y el movimiento y se reorienta hacia una pintura más figurativa.

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