Título: “Caballo en el paisaje”
Título
original: “Pferd in
Landschaft”
Autor: Franz Marc (Munich, 1880-cerca de
Verdún, Francia, 1916)
Temática: Naturaleza idealizada.
Movimiento: Expresionismo.
Dimensiones
originales: 85x112 cm.
Año de
realización: 1910.
Ubicación
actual de la obra: Essen,
Museum Folkwang.
Técnica y
soporte: Óleo sobre
lienzo.
Comentario: En el cuadro dominan las grandes
superficies de colores. El caballo del primer plano, rojizo, con crin azul y
negra, mira al interior del cuadro, a un campo amarillo claro, interrumpido por
manchas de color verde. Sólo gracias al caballo podemos reconocer en estas
superficies de color un campo de trigo y matorrales verdes. Con sus campos de
color, fuertes y ricos en contrastes, el cuadro irradia una serenidad y armonía
como no se había observado hasta ahora en la obra de Franz Marc.
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Título: “La danza”
Título
original: “Dance”
Autor: Henri Matisse (Paris, 1869 – Niza,
1954)
Temática: Figura humana.
Movimiento: Fauvismo.
Dimensiones
originales: 260 x 391
cm.
Año de
realización: 1910.
Ubicación
actual de la obra: Museo
Ermitage de San Petersburgo.
Técnica y
soporte: Óleo sobre
lienzo.
Comentario: La danza está considerada como uno
de los referentes imprescindibles del arte contemporáneo. El propio Matisse
percibió la trascendencia de este trabajo y por ello, incorporó referencias al
mismo en otras composiciones de su autoría.
En La danza,
Matisse llevó a cabo una simplificación sistemática de los colores y el
delineado de las figuras, justo a la manera de Pablo Picasso; no obstante, a
diferencia de este último, no fue tan riguroso en su estilo y prefirió trabajar
un lirismo grácil: el grupo de danzarinas anónimas y atemporales invita al
espectador a sumarse en su dinámica natural y simple, pero al mismo tiempo de
una profunda intención instauradora.
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Título: “M-maybe”
Título
original: 'M-maybe'
Autor: Roy Lichestein (Nueva York 1923,
1997)
Temática: Retrato.
Movimiento: Arte Pop.
Dimensiones
originales: 152 x 152
cm.
Año de
realización: 1965.
Ubicación
actual de la obra: Museo
Ludwig. Colonia, Alemania .
Técnica y
soporte: Acrílico
sobre tela.
Comentario: A los 16 años inicia sus estudios
artísticos en la Art´s Students League y al año siguiente se matricula en la
Universidad del Estado de Ohio, graduándose en 1946. Hasta 1951 se dedicará a
la docencia en este centro universitario, continuando su faceta como profesor
en varias Universidades. Sus primeros trabajos están determinados por el
expresionismo abstracto pero en 1962 cambia su estilo para dotar a su obra de
una nueva definición. Ese año expondrá en la galería Castelli de Nueva York y
en 1963 sus obras son presentadas por Elena Sonnabend en París, mostrándose
como una de las principales figuras del pop art. Lichtenstein -como sus
compañeros Warhol o Rauschenberg- también se interesó por los medios de
comunicación, tomando las imágenes del cómic como punto de partida para mostrar
la vida mecanizada de la sociedad actual. También se interesó por reproducir
obras maestras del pasado, creando un estilo francamente inconfundible.
Lichenstein toma una imagen de tebeo femenino, la amplia consiguiendo así uno
de los iconos más fuertes del arte pop.
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Título: “La alegría de vivir”
Título original: “La joie de vivre"
Autor: Henri Matisse (Cateau Cambrésis,
1869 - Niza, 1954)
Temática: Desnudo.
Movimiento: Fauvismo.
Dimensiones
originales: 175 x 241
cm.
Año de
realización: 1906.
Ubicación
actual de la obra: Fundación
Barnes, Merion, de Pensilvania .
Técnica y
soporte: Óleo sobre
lienzo.
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Título: "Sin título"
Autor: Keith Haring
(Pensilvania, 1958- Nueva York, 1990)
Temática: Figura humana.
Movimiento: Graffity.
Dimensiones
originales: 300 x 340
cm .
Año de
realización: 1988.
Ubicación
actual de la obra: Fundación
Keith Haring.
Técnica y
soporte: Acrílico
sobre loma.
Comentario: Haring logró reflejar los sueños de
una generación cosmopolita y distinta. Empezó con sus dibujos en el metro de
New York, construyendo su universo particular. Niños, serpientes, perros,
corazones y estrellas llenaron sus cuadros y todo lo que quedo cerca de su
pincel: paredes, coches, esculturas, cerámicas, o incluso el Muro de Berlín.
Haring comenzó a mostrarse interesado por el arte desde edades muy tempranas,
tras un periodo estudiando Artes Comerciales en Pensilvania, donde crece en él
el interés por el video y las intervenciones en la calle. Sus primeras obras,
de hecho, las hace en el metro de Nueva York, en contacto con el público.
Lector de las teorías de Humberto Eco, cree en la semiología y la relación de
la palabra con la imagen, construyendo poco a poco su propio vocabulario,
corazones, perros y siluetas sencillas. Con 25 años Haring ya había construido
un código visual internacionalmente reconocido.
Título:
"Los fusilamientos de la Moncloa" o "el 3 de mayo de 1808".
Autor: Francisco de Goya y Lucientes (Fuendetodos 1746- Burdeos 1828).
Temática: Cuadro histórico.
Movimiento: Pintura española del siglo XVIII.
Dimensiones
originales: 266 x 345 cm.
Año de
realización: 1814.
Ubicación
actual de la obra: Museo del
Prado. Madrid. España.
Técnica y
soporte: Óleo sobre
lienzo.
Comentario:
Además de sus
excelencias artísticas, puede ser considerado uno de los cuadros de temática
histórica más dramáticos de toda la historia del arte. El pintor, supo expresar
en toda su violencia, aunque con sobriedad y eficacia extremas, la crueldad
inexorable del hombre para el hombre y a la vez su exasperado y rebelde deseo
de libertad. Se sabe que Goya observó estos cruentos episodios desde su quinta
y que tomó apuntes la misma noche en que acontecieron los hechos, de donde
proviene el extraordinario realismo de su pintura y su profunda sinceridad. La
composición se divide en dos partes fundamentales; la primera, a la izquierda,
la compone un grupo de civiles, unos doce, en distintas posturas; uno se tapa
la cara, otros ya muertos yacen en el suelo, otro aparece rezando, otro con los
brazos abiertos... La parte de la derecha la conforman un grupo de seis
soldados que apuntan con sus fusiles al grupo de civiles que tienen delante. En
el lado del grupo de civiles, se encuentra la montaña del Príncipe Pío. Y al
fondo, se aprecia una arquitectura perteneciente a la ciudad de Madrid y la
negra noche donde se desarrolla la acción, y que cubre el resto de la
composición.
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Título: “La habitación de Van Gogh en
Arles”
Título
original: “Van
Gogh's Room at Arles ”
Autor:
Vincent Van Gogth (Groot-Zundert,
Países Bajos, 1853 - Francia, 1890)
Temática: Interior.
Movimiento: Neo-impresionismo.
Dimensiones
originales: 57,5x 74
cm.
Año de
realización: 1888.
Ubicación
actual de la obra: Museo Van
Goght (Amsterdan)
Técnica y
soporte: Óleo sobre
lienzo.
Comentario: Sobre el tema de su dormitorio, Van
Gogh realiza tres cuadros casi idénticos. En una carta dirigida a su hermano
Théo, Vincent explica lo que le incita a pintar una obra semejante: quiere
expresar la tranquilidad y resaltar la sencillez de su dormitorio mediante el
simbolismo de los colores. Para ello, describe: "los muros lila pálido, el
suelo de un rojo gastado y apagado, las sillas y la cama amarillo de cromo, las
almohadas y la sábana verde limón muy pálido, la manta roja sangre, la mesa de
aseo anaranjada, la palangana azul, la ventana verde", afirmando:
"Había querido expresar un reposo absoluto mediante todos estos tonos
diversos". Mediante estos diferentes tonos, Van Gogh hace referencia a
Japón, a sus crespones y a sus estampas. Pese a que, para los japoneses, una
habitación decorada con cuadros y muebles no parezca realmente sencilla, para
él es "un dormitorio vacío con una cama de madera y dos sillas." Alcanza
una cierta austeridad, por su composición constituida casi únicamente de líneas
rectas y por la combinación rigurosa de superficies de color que compensan la
perspectiva.
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Título: “Línea transversal”
Título original: “Transverse Line ”
Autor: Wassily
Kandinsky (Moscú, Rusia, 1866 - Neuilly-sur-Seine, 1944)
Temática: Abstracción geométrica.
Movimiento: Expresionismo abstracto.
Dimensiones
originales: 141 x 202
cm.
Año de
realización: 1923
Ubicación
actual de la obra: Museo
Kunstsammlung Düsseldorf, Alemania.
Técnica y
soporte: Óleo sobre
lienzo.
Comentario: Pintor de origen ruso, nacionalizado
alemán y posteriormente francés. Kandinsky compaginó sus estudios de derecho y
economía con clases de dibujo y pintura. Al tiempo que se interesaba por la
cultura primitiva y las manifestaciones artísticas populares rusas, muy
especialmente por el arte propio de la región de Volodga, rico en ornamentos,
también descubrió la obra de Rembrandt y Monet. Cuando cumplió los treinta
años, Kandinsky abandonó la docencia y fue a estudiar pintura a Munich,
renunciando a un porvenir académico ya consolidado. En esta ciudad asistió a
las clases de F. Stuck y en ellas conoció a Paul Klee, con el que mantendría
una sincera y prolongada amistad. Su interés por el color está presente desde
el comienzo de su carrera, y se puede apreciar en sus primeras pinturas la
influencia del postimpresionismo, el fauvismo y el Jugendstil alemán.
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Título: “Sol de la mañana”
Título
original: “Morning
sun”
Autor: Edward Hopper (Nyack, 1882-Nueva York, 1967)
Temática: Retrato.
Movimiento: Pintura realista americana del
siglo XX.
Dimensiones
originales: 71,4 x
101,9 cm.
Año de
realización: 1952.
Ubicación
actual de la obra: Museo de
Arte de Columbus , Ohio .
Técnica y
soporte: Óleo sobre
lienzo.
Comentario: A pesar de que durante gran parte de
su vida su obra pictórica no recibió la atención de la crítica ni del público y
se vio obligado a trabajar como ilustrador para subsistir, en la actualidad sus
obras se han convertido en iconos de la vida y la sociedad moderna . El.
tratamiento cinematográfico de las escenas y el personal empleo de la luz son
los principales elementos diferenciadores de su pintura. Aunque pintó algunos
paisajes y escenas al aire libre, la mayoría de sus temas pictóricos
representan lugares públicos, como bares, moteles, hoteles, estaciones, trenes,
todos ellos prácticamente vacíos para subrayar la soledad del personaje
representado. Por otra parte, Hopper acentúa el efecto dramático a través de
los fuertes contrastes de luces y sombras. Hacia 1930, fruto del aislacionismo,
aumentó considerablemente su fama, aunque su fortuna crítica comenzó a crecer
verdaderamente a partir de su muerte, en 1967, cuando empezó a ser reconocido
como uno de los grandes maestros del arte del siglo XX y no sólo como un
ejemplo de la pintura realista americana.
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Título: “Domingo por la tarde en la isla
del Grande Jatte ”
Título
original: “Un
dimanche après-midi à l'Ile de la Grande Jatte ”
Autor: George Seurat (París, 1859-id., 1891)
Temática: Paisaje.
Movimiento: Puntillismo.
Dimensiones
originales: 202 x 300
cm.
Año de
realización: 1886.
Ubicación
actual de la obra: Instituto
de Arte de Chicago .
Técnica y
soporte: Óleo sobre
lienzo.
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Título: “Vestido bajando una escalera”
Autor:
Eduardo Arroyo (Madrid,
1937)
Temática: Figura humana.
Movimiento: Neofigurativismo.
Dimensiones
originales: 242 x 139
cm.
Año de
realización: 1976.
Ubicación
actual de la obra: IVAM
(Instituto Valenciano de Arte Moderno)
Técnica y
soporte: Óleo sobre
lienzo.
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Título: “Lateral negro”
Autor: José
Guerrero (Granada, 1914 - Barcelona, 23 de diciembre de 1991)
Temática: Abstracción.
Movimiento: Expresionismo abstracto.
Dimensiones
originales: 162 x 130
cm.
Año de
realización: 1974.
Ubicación
actual de la obra: Colección
José Guerrero.
Técnica y
soporte: Óleo sobre
lienzo.
Comentario: José Guerrero estudia en la Escuela
de Artes y Oficios de Granada y mas tarde en la Escuela de Bellas Artes de San
Fernando, de Madrid, donde es discípulo de Vazquez Díaz En 1945 se traslada a
Paris, después de ganar una beca para estudiar en la Facultad de Bellas Artes.
Aprende mucho de la obra de Picasso, Matisse, Miro y Gris. En 1950 se traslada
a Nueva York y en 1953 obtiene la nacionalidad estadounidense. Allí empieza a realizar
obras abstractas. Incorporado a la Escuela de Nueva York, Guerrero participa
con sus obras de gran sentido lírico en diversas exposiciones con los pintores
del Action Painting, si bien su obra fue siempre considerada por los críticos
como diferente, heredera de la tradición española, mediterránea y andaluza. En
Estados Unidos va a comprender Guerrero que la pintura se reduce a los
acontecimientos cromáticos que se producen en la superficie del lienzo. El
cuadro no es, por tanto, una representación de nada ajeno al propio lienzo,
sino un campo en el que se ordenan o contraponen formas y colores. El problema
de la pintura se sintetiza, pues, en lograr una disposición de elementos
plásticos de tal manera que ésta sea un imán para la mirada.
Título: “El escultor”
Título original: “Le sculpteur"
Autor: Pablo
Ruiz Picasso (Málaga, 25
octubre 1881 - Moulins, Francia; 8 abril 1973)
Temática: Retrato.
Movimiento: Cubismo.
Dimensiones
originales: 128,5 x 96
cm.
Año de
realización: 1931.
Ubicación
actual de la obra: Museo
Picasso. Paris (Francia).
Técnica y
soporte: Óleo sobre
lienzo.
Comentario: En el pintor español Pablo Picasso
se resumen todos los cambios y las significaciones simbólicas, científicas y
sociales del arte pictórico del siglo XX. Es la clave de la pintura y aun en
general del arte de nuestra época. Son evidentes sus aportaciones morfológicas,
la revolución de las formas en su obra, pero más significativa resulta su
relación con la sociedad y la época en que vivió. En el primer aspecto, es la
figura representativa del cubismo; en el segundo, una de las cumbres del
expresionismo, si bien nunca figurará entre sus grupos y actuará de forma
autónoma. En diciembre de 1931 pintó El escultor (Museo Picasso,
París) sobre el tema del artista y la modelo, reveladora de la naturaleza de la
relación entre Picasso y Marie-Thérèse; el escultor contempla el busto que ha
creado, con el característico perfil clásico, mientras la modelo está sentada
al fondo, subordinada al artista y la obra creada.
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Título: “Las señoritas de Aviñón”
Título
original: “Les
Demoiselles d'Avignon"
Autor: Pablo
Ruiz Picasso (Málaga, 25 octubre 1881 - Moulins, Francia; 8 abril 1973)
Temática: Desnudo.
Movimiento: Cubismo.
Dimensiones
originales: 243,9 x
233,7 cm.
Año de
realización: 1907.
Ubicación
actual de la obra: Museo de
Arte Moderno de Nueva York .
Técnica y
soporte: Óleo sobre
lienzo.
Comentario: En 1907, después de unos cuantos
meses de estudios, Picasso dio a conocer Las Señoritas de Aviñón a sus amigos
más próximos. Las reacciones fueron diversas, pero sobre todo destacó la
sorpresa frente a una obra de arte que rompía con toda la tradición pictórica
anterior. Las convenciones que tanto se habían desarrollado en la historia del
arte desde el Renacimiento eran totalmente transgredidas aquí. Aun cuando la
obra no se puede considerar cubista, Picasso desplegó en ella muchos de los
aspectos que formarían la base de este nuevo movimiento, como por ejemplo: la
descomposición del espacio y las formas pictóricas, la inspiración en el arte
primitivo y la combinación de diferentes puntos de vista en una sola figura.
“Es posible que la gente perciba las cosas con ojos nuevos, nuevas mentes,
nueva conciencia. Les Demoiselles d'Avignon es, de manera inequívoca, la
obra maestra del siglo XX, un detonador principal del movimiento moderno, la
piedra angular del arte del siglo XX.”
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Título: “El día de los dioses”
Título original: “Mahana No Atua Aka Day Of The Gods ”
Autor: Paul
Gauguin (París,
1848 - Atuona, Polinesia francesa, 1903)
Temática: Retrato y paisaje.
Movimiento: Posimpresionista.
Dimensiones
originales: 66 x 87
cm.
Año de
realización: 1894.
Técnica y
soporte: Óleo sobre
lienzo.
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Título: “Dos campesinas”
Autor:
Rafael Zabaleta (Quesada
(Jaén)-1907-id. 1960)
Temática: Retrato.
Movimiento: Realismo expresionista.
Dimensiones
originales: 81x 100
cm.
Año de
realización: 1952.
Ubicación
actual de la obra: Colección
Rafael Zabaleta.
Técnica y
soporte: Óleo sobre
lienzo.
Comentario: En el realismo expresionista de su
obra se unen la visión formal del cubismo, la violencia cromática del fauvismo
y la deformación del expresionismo. Nació en Quesada, Jaén, y en 1924 inició
sus estudios artísticos en la Academia de Bellas Artes de San Fernando en
Madrid. En 1934 viajó a París y conoció las obras de los principales pintores
de vanguardia. Realizó su primera exposición en la galería Biosca de Madrid en
1942, por la que recibió una crítica favorable de Eugenio D’Ors, que llegó a
calificarlo como el pintor más importante de su época. Un extraño surrealismo
‘provinciano’ puebla sus primeras obras, que va depurando a medida que crece el
interés por representar su pueblo natal, Quesada, con fuerte cromatismo y aire
geometrizante que le acercan al fauvismo y también al aire ingenuo del arte
naïf. Sus obras de madurez poseen un lirismo rústico y profundo que permite
hablar de una pintura humanista, dotada de un optimismo multicolor, con mujeres
de formas rotundas y carnales y un color jubiloso que refleja el gozo con el
que están pintadas.
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Título: “Sin título”
Autor: Keith Haring
(Pensilvania, 1958- Nueva York, 1990)
Temática: Figura humana.
Movimiento: Graffity.
Dimensiones
originales: 300 x 340
cm .
Año de
realización: 1989
Ubicación
actual de la obra: Fundación
Keith Haring.
Técnica y
soporte: Acrílico
sobre tela.
Comentario: Keith Haring es el pintor
estadounidense más importante de graffiti de los años ochenta. Nacido en
Kutztown, Pennsylvania, en 1958. Desde muy pequeño empezó a dibujar
inspirándose en los dibujos animados que veía en la televisión. Estudió arte en
la Ivy School of Art de Pittsburg, donde comenzó a hacer serigrafías para
imprimir en camisetas. Prosiguió sus estudios en la Escuela de Artes Visuales
de Nueva York, durante 1978 y 1979, bajo la dirección de Keith Sonnier y Joseph
Kosuth. En el verano de 1979 hace una performance titulada Poetry-Word-Things
en el Club 57 de Manhattan; al año siguiente, sin embargo, se volcó en los
graffiti, dibujando imágenes como las de los dibujos animados, hechas con un
rotulador directamente sobre anuncios en el metro de Nueva York.
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Título
original: “Series 1.
No.4”
Autor: Georgia O'Keefe (Sun Prairie,
Wisconsin, 1887 - Santa Fe, Nuevo México -1986)
Temática: Naturaleza muerta.
Movimiento: Arte abstracto.
Año de
realización: 1918.
Ubicación
actual de la obra: Colección
particular.
Técnica y
soporte: Óleo sobre
lienzo.
Comentario:
Estudió en la
escuela del Instituto de Arte de Chicago y en la Liga de Estudiantes de Arte de
Nueva York. Se dedicó a la enseñanza artística en Texas desde 1913 a 1918. En
1916 el fotógrafo y galerista estadounidense Alfred Stieglitz (con quien se
casó en 1924) se mostró interesado en sus dibujos abstractos, exponiéndolos en
la 291, su galería de Nueva York. Su obra se expuso cada año en las galerías de
Stieglitz hasta la muerte de éste en 1946, y en otras instituciones
importantes. OKeeffe, que se trasladó a Nuevo México en 1949, es famosa por sus
pinturas sobre escenas y flores del desierto, en las que las simples flores u
objetos como calaveras de vaca se presentan en primeros planos. Aunque OKeeffe
trata los temas de forma figurativa, la severidad de líneas, el colorido claro
y transparente y los audaces esquemas compositivos producen diseños abstractos.
Gran número de sus obras poseen un efecto abstracto, dentro de la temática
floral como en Iris negro (1926, Metropolitan Museum of Art, Nueva York), en
donde los detalles de la flor se han agrandado hasta el punto de que ésta
resulta irreconocible y sorprendente. En la década de 1960, inspirándose en
temas de vuelos aéreos, OKeeffe introdujo en sus pinturas motivos del cielo y
de las nubes tal como se ven desde el aire. Una de sus obras de mayores
proporciones, con sus 7,3 m de largo, es el mural Cielo sobre nubes (1965).
Murió el 6 de marzo de 1986.
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Título: “Gran desnudo, planos a través de
colores ”
Título original: “Plans par couleurs, grand"
Autor:
Frantisek Kupka (Bohemia
oriental, 1871- Puteaux, Hauts-de-Seine, 1957)
Temática: Desnudo femenino.
Movimiento: Abstraccionismo.
Dimensiones
originales: 150 x 182
cm.
Año de
realización: 1910.
Ubicación
actual de la obra: Museo Guggenheim.
Nueva York. EE.UU.
Técnica y
soporte: Óleo sobre
lienzo.
Comentario:
Este pintor
checo está considerado como uno de los creadores del abstraccionismo junto con
Kandinsky y Mondrian. En 1889, se inscribe en la Academia de Bellas Artes de
Praga, en la sección de pintura sagrada e histórica. En 1892 comienza a seguir
cursos de pintura en la Academia Vieau Beurre. A partir de 1910, comienza a
orientarse hacia el arte no figurativo y, en 1912, expone junto a los cubistas
en el Salón de Otoño aunque rechaza que lo identifiquen con ese movimiento. En
1913, publica « La Création dans les arts plastiques ». Después de la Gran
guerra, sigue sus investigaciones sobre la luz y el movimiento y se reorienta
hacia una pintura más figurativa.
