domingo, 8 de julio de 2012

ALGUNAS OBRAS TERMINADAS POR EL INSTI

  
     



  •      Título original: “Series 1. No.4

Autor: Georgia O'Keefe (Sun Prairie, Wisconsin, 1887 - Santa Fe, Nuevo México -1986)

Temática: Naturaleza muerta.

Movimiento: Arte abstracto.

Año de realización: 1918.

Ubicación actual de la obra: Colección particular.

Técnica y soporte: Óleo sobre lienzo.

Comentario: Estudió en la escuela del Instituto de Arte de Chicago y en la Liga de Estudiantes de Arte de Nueva York. Se dedicó a la enseñanza artística en Texas desde 1913 a 1918. En 1916 el fotógrafo y galerista estadounidense Alfred Stieglitz (con quien se casó en 1924) se mostró interesado en sus dibujos abstractos, exponiéndolos en la 291, su galería de Nueva York. Su obra se expuso cada año en las galerías de Stieglitz hasta la muerte de éste en 1946, y en otras instituciones importantes. OKeeffe, que se trasladó a Nuevo México en 1949, es famosa por sus pinturas sobre escenas y flores del desierto, en las que las simples flores u objetos como calaveras de vaca se presentan en primeros planos. Aunque OKeeffe trata los temas de forma figurativa, la severidad de líneas, el colorido claro y transparente y los audaces esquemas compositivos producen diseños abstractos. Gran número de sus obras poseen un efecto abstracto, dentro de la temática floral como en Iris negro (1926, Metropolitan Museum of Art, Nueva York), en donde los detalles de la flor se han agrandado hasta el punto de que ésta resulta irreconocible y sorprendente. En la década de 1960, inspirándose en temas de vuelos aéreos, OKeeffe introdujo en sus pinturas motivos del cielo y de las nubes tal como se ven desde el aire. Una de sus obras de mayores proporciones, con sus 7,3 m de largo, es el mural Cielo sobre nubes (1965). Murió el 6 de marzo de 1986. 





  • Título: “El oro del azur ”
  
Autor: Joan Miró (Barcelona- 1893- 1983- Palma de Mallorca)

Temática: Signos y símbolos.

Movimiento: Abstracción.

Dimensiones originales: 205 x 173 cm

Año de realización: 1967.

Ubicación actual de la obra: Fundación Joan Miró

Técnica y soporte: Acrílico sobre tela.

Comentario: Las obras de Miró recogen motivos extraídos del reino de la memoria y el subconsciente con gran fantasía e imaginación, y que se hallan entre las más originales del siglo XX. En concreto, esta obra plasma la vigencia que para Miró tenían todavía los signos y símbolos de los años cuarenta como expresión de su concepción poética de la pintura. Estrellas, planetas, las configuraciones elementales de los personajes ineludibles (la mujer y el hombre, el principio femenino y el principio masculino) y, por encima de ellos, una línea ondulante, probablemente un pájaro que reinventa el horizonte, contribuyen a la definición espacial y ofrecen una nueva versión de la cosmología mironiana.








 

  • Título: “Gran desnudo, planos a través de colores ”




Autor: Frantisek Kupka (Bohemia oriental, 1871- Puteaux, Hauts-de-Seine, 1957)

Temática: Desnudo femenino.

Movimiento: Abstraccionismo.

Dimensiones originales: 150 x 182 cm.

Año de realización: 1910.

Ubicación actual de la obra: Museo Guggenheim. Nueva York. EE.UU.

Técnica y soporte: Óleo sobre lienzo.

Comentario: Este pintor checo está considerado como uno de los creadores del abstraccionismo junto con Kandinsky y Mondrian. En 1889, se inscribe en la Academia de Bellas Artes de Praga, en la sección de pintura sagrada e histórica. En 1892 comienza a seguir cursos de pintura en la Academia Vieau Beurre. A partir de 1910, comienza a orientarse hacia el arte no figurativo y, en 1912, expone junto a los cubistas en el Salón de Otoño aunque rechaza que lo identifiquen con ese movimiento. En 1913, publica « La Création dans les arts plastiques ». Después de la Gran guerra, sigue sus investigaciones sobre la luz y el movimiento y se reorienta hacia una pintura más figurativa.

 




 










 
  • Título: “El día de los dioses”

Título original: “Mahana No Atua Aka Day Of The Gods

Autor: Paul Gauguin (París, 1848 - Atuona, Polinesia francesa, 1903)

Temática: Retrato y paisaje.

Movimiento: Posimpresionista.

Dimensiones originales: 66 x 87 cm.

Año de realización: 1894.

Técnica y soporte: Óleo sobre lienzo.

Comentario: Después de una juventud aventurera, que incluye una estancia de cuatro años en Perú con su familia y un empleo en la marina mercante francesa, se convirtió en un agente de bolsa de París con éxito. En 1874, después de conocer al pintor Camille Pissarro y ver la primera exposición de los impresionistas, se hizo coleccionista y pintor aficionado. Debido a la quiebra de la Bolsa, decidió convertir su afición a la pintura en oficio. Bajo la influencia del pintor Émile Bernard, se alejó del impresionismo y adoptó un estilo menos naturalista, al que denominó sintetismo. Halló inspiración en el arte indígena, en los vitrales medievales y en los grabados japoneses, estos últimos los conoció a través de Vincent van Gogh en 1888, durante los dos meses que vivieron juntos en Arles (Francia). Tras el altercado con él, abandonó la ciudad. Su nuevo estilo se caracterizó por la utilización de amplias zonas planas de colores encendidos, En 1891, arruinado y endeudado, se embarcó hacia Tahití escapando de la civilización europea. Las características esenciales de su pintura experimentaron pocos cambios, mantuvo la expresividad cromática, el rechazo a la perspectiva y la utilización de formas amplias y planas. Sin embargo, influido por el ambiente tropical y la cultura polinesia, su obra fue cobrando fuerza expresiva a medida que el tema se fue haciendo más característico, la escala de sus cuadros mayor y sus composiciones más simples.

 



 




 
    • Título original: “Electric Prisms

      Autor: Sonia Delaunay (Odesa,14 noviembre 1885-París- 5 diciembre 1979)
    Temática: Color.
    Movimiento: Orfismo.
    Dimensiones originales:
    Año de realización: 1914.
    Ubicación actual de la obra: Colección particular.
    Técnica y soporte: Gouches sobre papel.
    Comentario: Hasta hace poco tiempo la figura de Sonia Delaunay (Sonia Terk , de soltera), siempre se había quedado relegada a un segundo plano. A Robert Delaunay siempre se le había reservado el papel de creador original dejando y dejar a Sonia las aplicaciones a la moda, la publicidad, etc. A la muerte de su marido Sonia Delaunay, comienza a ser reconocida como artista. En la década de los veinte Sonia Delaunay se había dedicado al diseño de ropa y a sus telas pintadas a mano con colores brillantes que revolucionaron el diseño textil. Después de 1940 su estilo se volvió más delicado y sencillo, sobre todo en los gouaches, donde sus experimentos cromáticos alcanzaron nuevas cotas de refinamiento. Realiza abundante obra entre los años 40 y los años 50 y se dedica con empeño a dar a conocer la obra de Robert Delanuay. En 1964, el Museo Nacional de Arte Moderno de París recibió una donación de 58 obras suyas, que fueron expuestas en el Louvre, con lo que se convirtió en la primera mujer que, en vida, vio sus cuadros expuestos en ese museo. En 1979 se realiza una la primera retrospectiva que recoge la obra de trabajos de Robert y Sonia Delaunay. Fallece este mismo año, el 5 de diciembre, en París.

       

 













  • Título: “Dos campesinas”


Autor: Rafael Zabaleta (Quesada (Jaén)-1907-id. 1960)

Temática: Retrato.

Movimiento: Realismo expresionista.

Dimensiones originales: 81x 100 cm.

Año de realización: 1952.

Ubicación actual de la obra: Colección Rafael Zabaleta.

Técnica y soporte: Óleo sobre lienzo.

Comentario: En el realismo expresionista de su obra se unen la visión formal del cubismo, la violencia cromática del fauvismo y la deformación del expresionismo. Nació en Quesada, Jaén, y en 1924 inició sus estudios artísticos en la Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid. En 1934 viajó a París y conoció las obras de los principales pintores de vanguardia. Realizó su primera exposición en la galería Biosca de Madrid en 1942, por la que recibió una crítica favorable de Eugenio D’Ors, que llegó a calificarlo como el pintor más importante de su época. Un extraño surrealismo ‘provinciano’ puebla sus primeras obras, que va depurando a medida que crece el interés por representar su pueblo natal, Quesada, con fuerte cromatismo y aire geometrizante que le acercan al fauvismo y también al aire ingenuo del arte naïf. Sus obras de madurez poseen un lirismo rústico y profundo que permite hablar de una pintura humanista, dotada de un optimismo multicolor, con mujeres de formas rotundas y carnales y un color jubiloso que refleja el gozo con el que están pintadas.


















  • Título: “Lateral negro”


Autor: José Guerrero (Granada, 1914 - Barcelona, 23 de diciembre de 1991)

Temática: Abstracción.

Movimiento: Expresionismo abstracto.

Dimensiones originales: 162 x 130 cm.

Año de realización: 1974.

Ubicación actual de la obra: Colección José Guerrero.

Técnica y soporte: Óleo sobre lienzo.

Comentario: José Guerrero estudia en la Escuela de Artes y Oficios de Granada y mas tarde en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, de Madrid, donde es discípulo de Vazquez Díaz En 1945 se traslada a Paris, después de ganar una beca para estudiar en la Facultad de Bellas Artes. Aprende mucho de la obra de Picasso, Matisse, Miro y Gris. En 1950 se traslada a Nueva York y en 1953 obtiene la nacionalidad estadounidense. Allí empieza a realizar obras abstractas. Incorporado a la Escuela de Nueva York, Guerrero participa con sus obras de gran sentido lírico en diversas exposiciones con los pintores del Action Painting, si bien su obra fue siempre considerada por los críticos como diferente, heredera de la tradición española, mediterránea y andaluza. En Estados Unidos va a comprender Guerrero que la pintura se reduce a los acontecimientos cromáticos que se producen en la superficie del lienzo. El cuadro no es, por tanto, una representación de nada ajeno al propio lienzo, sino un campo en el que se ordenan o contraponen formas y colores. El problema de la pintura se sintetiza, pues, en lograr una disposición de elementos plásticos de tal manera que ésta sea un imán para la mirada.












 
  • Título: “Sin título”



Autor: Keith Haring (Pensilvania, 1958- Nueva York, 1990)

Temática: Figura humana.

Movimiento: Graffity.

Dimensiones originales: 300 x 340 cm .

Año de realización: 1989

Ubicación actual de la obra: Fundación Keith Haring.

Técnica y soporte: Acrílico sobre tela.

Comentario: Keith Haring es el pintor estadounidense más importante de graffiti de los años ochenta. Nacido en Kutztown, Pennsylvania, en 1958. Desde muy pequeño empezó a dibujar inspirándose en los dibujos animados que veía en la televisión. Estudió arte en la Ivy School of Art de Pittsburg, donde comenzó a hacer serigrafías para imprimir en camisetas. Prosiguió sus estudios en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York, durante 1978 y 1979, bajo la dirección de Keith Sonnier y Joseph Kosuth. En el verano de 1979 hace una performance titulada Poetry-Word-Things en el Club 57 de Manhattan; al año siguiente, sin embargo, se volcó en los graffiti, dibujando imágenes como las de los dibujos animados, hechas con un rotulador directamente sobre anuncios en el metro de Nueva York.


















  • Título: “La danza”

Título original: “Dance

 Autor: Henri Matisse (Paris, 1869 – Niza, 1954)


Temática: Figura humana.

Movimiento: Fauvismo.

Dimensiones originales: 260 x 391 cm.

Año de realización: 1910.

Ubicación actual de la obra: Museo Ermitage de San Petersburgo.

Técnica y soporte: Óleo sobre lienzo.

Comentario: La danza está considerada como uno de los referentes imprescindibles del arte contemporáneo. El propio Matisse percibió la trascendencia de este trabajo y por ello, incorporó referencias al mismo en otras composiciones de su autoría.

En La danza, Matisse llevó a cabo una simplificación sistemática de los colores y el delineado de las figuras, justo a la manera de Pablo Picasso; no obstante, a diferencia de este último, no fue tan riguroso en su estilo y prefirió trabajar un lirismo grácil: el grupo de danzarinas anónimas y atemporales invita al espectador a sumarse en su dinámica natural y simple, pero al mismo tiempo de una profunda intención instauradora.






  • Título: “M-maybe”   

     Título original: 'M-maybe'

Autor: Roy Lichestein (Nueva York 1923, 1997)

Temática: Retrato.

Movimiento: Arte Pop.

Dimensiones originales: 152 x 152 cm.

Año de realización: 1965.

Ubicación actual de la obra: Museo Ludwig. Colonia, Alemania .

Técnica y soporte: Acrílico sobre tela.

Comentario: A los 16 años inicia sus estudios artísticos en la Art´s Students League y al año siguiente se matricula en la Universidad del Estado de Ohio, graduándose en 1946. Hasta 1951 se dedicará a la docencia en este centro universitario, continuando su faceta como profesor en varias Universidades. Sus primeros trabajos están determinados por el expresionismo abstracto pero en 1962 cambia su estilo para dotar a su obra de una nueva definición. Ese año expondrá en la galería Castelli de Nueva York y en 1963 sus obras son presentadas por Elena Sonnabend en París, mostrándose como una de las principales figuras del pop art. Lichtenstein -como sus compañeros Warhol o Rauschenberg- también se interesó por los medios de comunicación, tomando las imágenes del cómic como punto de partida para mostrar la vida mecanizada de la sociedad actual. También se interesó por reproducir obras maestras del pasado, creando un estilo francamente inconfundible . Lichenstein toma una imagen de tebeo femenino, la amplia consiguiendo así uno de los iconos más fuertes del arte pop.


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