- Título original: “Series 1. No.4”
Autor: Georgia
O'Keefe (Sun Prairie, Wisconsin, 1887 - Santa Fe, Nuevo México
-1986)
Temática:
Naturaleza muerta.
Movimiento:
Arte abstracto.
Año de
realización: 1918.
Ubicación
actual de la obra: Colección particular.
Técnica y
soporte: Óleo sobre lienzo.
Comentario:
Estudió en la escuela del Instituto de Arte de Chicago y en
la Liga de Estudiantes de Arte de Nueva York. Se dedicó a la
enseñanza artística en Texas desde 1913 a 1918. En 1916 el
fotógrafo y galerista estadounidense Alfred Stieglitz (con quien se
casó en 1924) se mostró interesado en sus dibujos abstractos,
exponiéndolos en la 291, su galería de Nueva York. Su obra se
expuso cada año en las galerías de Stieglitz hasta la muerte de
éste en 1946, y en otras instituciones importantes. OKeeffe, que se
trasladó a Nuevo México en 1949, es famosa por sus pinturas sobre
escenas y flores del desierto, en las que las simples flores u
objetos como calaveras de vaca se presentan en primeros planos.
Aunque OKeeffe trata los temas de forma figurativa, la severidad de
líneas, el colorido claro y transparente y los audaces esquemas
compositivos producen diseños abstractos. Gran número de sus obras
poseen un efecto abstracto, dentro de la temática floral como en
Iris negro (1926, Metropolitan Museum of Art, Nueva York), en donde
los detalles de la flor se han agrandado hasta el punto de que ésta
resulta irreconocible y sorprendente. En la década de 1960,
inspirándose en temas de vuelos aéreos, OKeeffe introdujo en sus
pinturas motivos del cielo y de las nubes tal como se ven desde el
aire. Una de sus obras de mayores proporciones, con sus 7,3 m de
largo, es el mural Cielo sobre nubes (1965). Murió el 6 de marzo de
1986.
- Título: “El oro del azur ”
Autor: Joan
Miró (Barcelona- 1893- 1983-
Palma de Mallorca)
Temática:
Signos y símbolos.
Movimiento:
Abstracción.
Dimensiones
originales: 205 x 173 cm
Año de
realización: 1967.
Ubicación
actual de la obra: Fundación
Joan Miró
Técnica y
soporte: Acrílico sobre tela.
Comentario: Las
obras de Miró recogen motivos extraídos del reino de la memoria y
el subconsciente con gran fantasía e imaginación, y que se hallan
entre las más originales del siglo XX. En
concreto, esta obra plasma la vigencia que para Miró
tenían todavía los signos y símbolos de los años cuarenta como
expresión de su concepción poética de la pintura. Estrellas,
planetas, las configuraciones elementales de los personajes
ineludibles (la mujer y el hombre, el principio femenino y el
principio masculino) y, por encima de ellos, una línea ondulante,
probablemente un pájaro que reinventa el horizonte, contribuyen a la
definición espacial y ofrecen una nueva versión de la cosmología
mironiana.
- Título: “Gran desnudo, planos a través de colores ”
Autor:
Frantisek Kupka (Bohemia
oriental, 1871- Puteaux, Hauts-de-Seine, 1957)
Temática:
Desnudo femenino.
Movimiento:
Abstraccionismo.
Dimensiones
originales: 150 x 182 cm.
Año de
realización: 1910.
Ubicación
actual de la obra: Museo Guggenheim. Nueva York. EE.UU.
Técnica y
soporte: Óleo sobre lienzo.
Comentario:
Este pintor checo está
considerado como uno de los creadores del abstraccionismo junto con
Kandinsky y Mondrian. En 1889, se inscribe en la Academia de Bellas
Artes de Praga, en la sección de pintura sagrada e histórica. En
1892 comienza a seguir cursos de pintura en la Academia Vieau Beurre.
A partir de 1910, comienza a orientarse hacia el arte no figurativo
y, en 1912, expone junto a los cubistas en el Salón de Otoño aunque
rechaza que lo identifiquen con ese movimiento. En 1913, publica «
La Création dans les arts plastiques ». Después de la Gran guerra,
sigue sus investigaciones sobre la luz y el movimiento y se reorienta
hacia una pintura más figurativa.
- Título: “El día de los dioses”
Título original: “Mahana No Atua Aka Day Of The Gods ”
Autor: Paul
Gauguin (París, 1848 - Atuona,
Polinesia francesa, 1903)
Temática:
Retrato y paisaje.
Movimiento:
Posimpresionista.
Dimensiones
originales: 66 x 87 cm.
Año de
realización: 1894.
Técnica y
soporte: Óleo sobre lienzo.
Comentario:
Después de una juventud
aventurera, que incluye una estancia de cuatro años en Perú con su
familia y un empleo en la marina mercante francesa, se convirtió en
un agente de bolsa de París con éxito. En 1874, después de conocer
al pintor Camille Pissarro y ver la primera exposición de los
impresionistas, se hizo coleccionista y pintor aficionado. Debido a
la quiebra de la Bolsa, decidió convertir su afición a la pintura
en oficio. Bajo la influencia del pintor Émile Bernard, se alejó
del impresionismo y adoptó un estilo menos naturalista, al que
denominó sintetismo. Halló inspiración en el arte indígena, en
los vitrales medievales y en los grabados japoneses, estos últimos
los conoció a través de Vincent van Gogh en 1888, durante los dos
meses que vivieron juntos en Arles (Francia). Tras el altercado con
él, abandonó la ciudad. Su nuevo estilo se caracterizó por la
utilización de amplias zonas planas de colores encendidos, En 1891,
arruinado y endeudado, se embarcó hacia Tahití escapando de la
civilización europea. Las características esenciales de su pintura
experimentaron pocos cambios, mantuvo la expresividad cromática, el
rechazo a la perspectiva y la utilización de formas amplias y
planas. Sin embargo, influido por el ambiente tropical y la cultura
polinesia, su obra fue cobrando fuerza expresiva a medida que el tema
se fue haciendo más característico, la escala de sus cuadros mayor
y sus composiciones más simples.
Título original: “Electric Prisms”
Autor: Sonia Delaunay (Odesa,14 noviembre 1885-París- 5 diciembre 1979)
Temática:
Color.
Movimiento:
Orfismo.
Dimensiones
originales:
Año
de realización: 1914.
Ubicación
actual de la obra: Colección particular.
Técnica
y soporte: Gouches sobre papel.
Comentario:
Hasta hace poco tiempo la
figura de Sonia Delaunay (Sonia Terk , de soltera), siempre se había
quedado relegada a un segundo plano. A Robert Delaunay siempre se le
había reservado el papel de creador original dejando y dejar a
Sonia las aplicaciones a la moda, la publicidad, etc. A la
muerte de su marido Sonia Delaunay, comienza a ser reconocida como
artista. En la década de los veinte Sonia Delaunay se había
dedicado al diseño de ropa y a sus telas pintadas a mano con
colores brillantes que revolucionaron el diseño textil. Después de
1940 su estilo se volvió más delicado y sencillo, sobre todo en
los gouaches, donde sus experimentos cromáticos alcanzaron nuevas
cotas de refinamiento. Realiza abundante obra entre los años 40 y
los años 50 y se dedica con empeño a dar a conocer la obra de
Robert Delanuay. En 1964, el Museo Nacional de Arte Moderno de París
recibió una donación de 58 obras suyas, que fueron expuestas en el
Louvre, con lo que se convirtió en la primera mujer que, en vida,
vio sus cuadros expuestos en ese museo. En 1979 se realiza una la
primera retrospectiva que recoge la obra de trabajos de Robert y
Sonia Delaunay. Fallece este mismo año, el 5 de diciembre, en
París.
- Título: “Dos campesinas”
Autor: Rafael
Zabaleta (Quesada
(Jaén)-1907-id. 1960)
Temática:
Retrato.
Movimiento:
Realismo expresionista.
Dimensiones
originales: 81x 100 cm.
Año de
realización: 1952.
Ubicación
actual de la obra: Colección Rafael Zabaleta.
Técnica y
soporte: Óleo sobre lienzo.
Comentario: En
el realismo expresionista de su obra se unen la visión formal del
cubismo, la violencia cromática del fauvismo y la deformación del
expresionismo. Nació en Quesada, Jaén, y en 1924 inició sus
estudios artísticos en la Academia de Bellas Artes de San Fernando
en Madrid. En 1934 viajó a París y conoció las obras de los
principales pintores de vanguardia. Realizó su primera exposición
en la galería Biosca de Madrid en 1942, por la que recibió una
crítica favorable de Eugenio D’Ors, que llegó a calificarlo como
el pintor más importante de su época. Un extraño surrealismo
‘provinciano’ puebla sus primeras obras, que va depurando a
medida que crece el interés por representar su pueblo natal,
Quesada, con fuerte cromatismo y aire geometrizante que le acercan al
fauvismo y también al aire ingenuo del arte naïf. Sus obras de
madurez poseen un lirismo rústico y profundo que permite hablar de
una pintura humanista, dotada de un optimismo multicolor, con mujeres
de formas rotundas y carnales y un color jubiloso que refleja el gozo
con el que están pintadas.
- Título: “Lateral negro”
Autor: José
Guerrero (Granada,
1914 - Barcelona, 23 de diciembre de 1991)
Temática:
Abstracción.
Movimiento:
Expresionismo abstracto.
Dimensiones
originales: 162 x 130 cm.
Año de
realización: 1974.
Ubicación
actual de la obra: Colección José Guerrero.
Técnica y
soporte: Óleo sobre lienzo.
Comentario:
José Guerrero estudia
en la Escuela de Artes y Oficios de Granada y mas tarde en la Escuela
de Bellas Artes de San Fernando, de Madrid, donde es discípulo de
Vazquez Díaz En 1945 se traslada a Paris, después de ganar una beca
para estudiar en la Facultad de Bellas Artes. Aprende mucho de la
obra de Picasso, Matisse, Miro y Gris. En 1950 se traslada a Nueva
York y en 1953 obtiene la nacionalidad estadounidense. Allí empieza
a realizar obras abstractas. Incorporado a la Escuela de Nueva York,
Guerrero participa con sus obras de gran sentido lírico en diversas
exposiciones con los pintores del Action Painting, si bien su obra
fue siempre considerada por los críticos como diferente, heredera de
la tradición española, mediterránea y andaluza. En
Estados Unidos va a comprender Guerrero que la pintura se reduce a
los acontecimientos cromáticos que se producen en la superficie del
lienzo. El cuadro no es, por tanto, una representación de nada ajeno
al propio lienzo, sino un campo en el que se ordenan o contraponen
formas y colores. El problema de la pintura se sintetiza,
pues, en lograr una disposición de elementos plásticos de tal
manera que ésta sea un imán para la mirada.
- Título: “Sin título”
Autor: Keith
Haring (Pensilvania, 1958- Nueva York, 1990)
Temática:
Figura humana.
Movimiento:
Graffity.
Dimensiones
originales: 300 x 340 cm .
Año de
realización: 1989
Ubicación
actual de la obra: Fundación Keith Haring.
Técnica y
soporte: Acrílico sobre tela.
Comentario:
Keith Haring es el pintor
estadounidense más importante de graffiti de los años ochenta.
Nacido en Kutztown, Pennsylvania, en 1958. Desde muy pequeño empezó
a dibujar inspirándose en los dibujos animados que veía en la
televisión. Estudió arte en la Ivy School of Art de Pittsburg,
donde comenzó a hacer serigrafías para imprimir en camisetas.
Prosiguió sus estudios en la Escuela de Artes Visuales de Nueva
York, durante 1978 y 1979, bajo la dirección de Keith Sonnier y
Joseph Kosuth. En el verano de 1979 hace una performance titulada
Poetry-Word-Things en el Club 57 de Manhattan; al año siguiente, sin
embargo, se volcó en los graffiti, dibujando imágenes como las de
los dibujos animados, hechas con un rotulador directamente sobre
anuncios en el metro de Nueva York.
- Título: “La danza”
Título original: “Dance”
Autor: Henri Matisse (Paris, 1869 – Niza, 1954)
Temática:
Figura humana.
Movimiento:
Fauvismo.
Dimensiones
originales: 260 x 391 cm.
Año de
realización: 1910.
Ubicación
actual de la obra: Museo Ermitage de San Petersburgo.
Técnica y
soporte: Óleo sobre lienzo.
Comentario: La
danza está considerada como uno de los referentes imprescindibles
del arte contemporáneo. El propio Matisse percibió la trascendencia
de este trabajo y por ello, incorporó referencias al mismo en otras
composiciones de su autoría.
En La danza,
Matisse llevó a cabo una simplificación sistemática de los colores
y el delineado de las figuras, justo a la manera de Pablo Picasso; no
obstante, a diferencia de este último, no fue tan riguroso en su
estilo y prefirió trabajar un lirismo grácil: el grupo de
danzarinas anónimas y atemporales invita al espectador a sumarse en
su dinámica natural y simple, pero al mismo tiempo de una profunda
intención instauradora.
- Título: “M-maybe”
Título
original: 'M-maybe'
Autor: Roy
Lichestein (Nueva York 1923, 1997)
Temática:
Retrato.
Movimiento:
Arte Pop.
Dimensiones
originales: 152 x 152 cm.
Año de
realización: 1965.
Ubicación
actual de la obra: Museo Ludwig. Colonia, Alemania .
Técnica y
soporte: Acrílico sobre tela.
Comentario: A
los 16 años inicia sus estudios artísticos en la Art´s Students
League y al año siguiente se matricula en la Universidad del Estado
de Ohio, graduándose en 1946. Hasta 1951 se dedicará a la docencia
en este centro universitario, continuando su faceta como profesor en
varias Universidades. Sus primeros trabajos están determinados por
el expresionismo abstracto pero en 1962 cambia su estilo para dotar a
su obra de una nueva definición. Ese año expondrá en la galería
Castelli de Nueva York y en 1963 sus obras son presentadas por Elena
Sonnabend en París, mostrándose como una de las principales figuras
del pop art. Lichtenstein -como sus compañeros Warhol o
Rauschenberg- también se interesó por los medios de comunicación,
tomando las imágenes del cómic como punto de partida para mostrar
la vida mecanizada de la sociedad actual. También se interesó por
reproducir obras maestras del pasado, creando un estilo francamente
inconfundible . Lichenstein toma una imagen de tebeo femenino,
la amplia consiguiendo así uno de los iconos más fuertes del arte
pop.
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